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El arte

Sasha con un Tazón de Dulces

Durante una entrevista con Janet Fish, Carter Ratcliff comentó sobre el aspecto narrativo de sus pinturas y dijo: “Pareces presentar momentos en los que la acción ha cesado, una brecha en la narrativa. Toda la acción, por así decirlo, está en el flujo de luz a través de la superficie de la pintura” (Janet Fish, Ratcliff 1985). Janet Fish presenta uno de estos momentos en su pastel Sasha con un Tazón de Dulces. Una adolescente se inclina sobre una superficie de madera, tal vez una mesa o un escritorio, con los antebrazos extendidos sobre la superficie de casi un lado de la composición al otro, la barbilla apoyada en el dorso de las manos superpuestas. Detrás de ella a la izquierda, las hojas de una planta con flores emergen de un fondo gris indistinto. Ante ella había un cuenco de vidrio grueso con caramelos duros de colores, un lápiz y un pequeño bloc de papel amarillo rayado que contenía una escritura tenue e indescifrable. Sin embargo, Sasha no está enfocada en estos objetos; su rostro y su cuerpo están inclinados hacia la izquierda, y su mirada se desvía en esa dirección, hacia un punto fuera de la composición. La esfera congelada del reloj en su muñeca derecha insinúa el paso del tiempo. Con su rostro plácido, párpados pesados ​​y ojos brillantes, Sasha parece estar a la deriva, tal vez perdida en un sueño. Uno se pregunta qué está pensando y qué está escrito en el bloc de notas que tiene delante.

Fish nos ha dado este toque de narrativa para atraernos, pero la narrativa no es lo que le interesa en una obra de arte. Fish ha dicho de su trabajo: "El tema real es la luz, el movimiento y el color y hace eco de los objetos en la mente de uno". Echemos un vistazo a lo que Carter Ratcliff se refirió como la "acción" en Sasha con un Tazón de Dulces.

La luz cálida fluye sobre la composición desde la parte superior izquierda, atrapando los pliegues de las mangas de Sasha, creando reflejos anaranjados saturados en el cabello que cae alrededor de su rostro y calentando su piel con toques de rosa y amarillo. La luz se refleja en los envoltorios de celofán arrugados, atraviesa los dulces y el tazón y se arremolina en la sombra del tazón. Al igual que los impresionistas, a Fish le interesan las cualidades de la luz. Es muy conocida por sus naturalezas muertas de objetos translúcidos inundados de luz. Sin embargo, a diferencia de los impresionistas que buscaban capturar las cualidades de la luz en un solo momento, Fish pinta los efectos de la luz a lo largo del tiempo. Ella pinta una sección de una naturaleza muerta cuando la luz allí es interesante y emocionante para ella. De esta manera, sus dibujos y pinturas son una mezcla de diferentes momentos.

El flujo de luz no es el único elemento que crea una sensación de movimiento en Sasha con un Tazón de Dulces. Fish dice: “Me pareció que la composición se trata de captar el ojo del espectador y mantenerlo allí en la pintura y tratar de mantener ese ojo moviéndose alrededor de la pintura y no dejarlo escapar [. . .].” Fish organiza los objetos dentro de la composición para mover el ojo del espectador hacia y alrededor de la cara de Sasha. La línea inclinada del lápiz en primer plano dirige la vista hacia arriba y hacia adentro desde abajo. Las sombras en el lado derecho de la cara y el tazón de dulces apuntan hacia el centro. Las líneas ondulantes del cabello de Sasha y las curvas repetitivas de las arrugas en sus mangas llevan la mirada hacia su rostro. Fish también mueve el ojo del espectador alrededor de la composición al llenar la página con un rombo achaparrado creado por las inclinaciones de la cabeza y los hombros de Sasha hasta los codos, el borde de la sombra del cuenco y la línea del lápiz. Con todo este movimiento implícito, la fuerte línea horizontal de los antebrazos de Sasha colocada ligeramente por debajo del centro fundamenta la figura y le da peso y estabilidad.

El pez crea conexiones entre objetos haciendo eco de sus formas. La curva de la mitad inferior de la cara de Sasha, por ejemplo, se repite en la forma del cuenco de cristal. El ángulo agudo de la sombra en el lado derecho de la cara de Sasha se repite en la sombra del tazón de dulces.

El color también une los objetos en Sasha con un Tazón de Dulces juntos. En cada obra de arte, Fish elige un número limitado de colores para trabajar. Ella mezcla y combina estos colores para proporcionar cohesión. Los rosas del caramelo se reflejan sutilmente en el rostro. El gris del fondo de la derecha se repite en el recipiente de vidrio. Los verdes profundos de los dulces vuelven a aparecer en las hojas de la planta. Esta repetición de color vincula el primer plano, el medio y el fondo. Al hablar de su uso del color, Fish dice que le debe mucho al expresionismo abstracto. “Básicamente, mucho de lo que hago todavía surge de eso, hasta el punto de que soy muy consciente del movimiento dentro de la pintura, de una cosa a otra. [.…] Muchas veces, tomo un color, y simplemente lo tengo, y me muevo por la pintura para encontrarlo en diferentes lugares, y luego empiezo a concentrarme en un lugar y empiezo a seguir. movimientos.”

Mientras que Fish utiliza la luz, la composición, la forma y el color para establecer relaciones entre los elementos de la composición, utiliza una variedad de marcas para diferenciar cada objeto. Fish dijo: “Cada cosa tiene una sensación diferente. Esto es muy importante. Soy muy consciente de que cada cosa tiene su personalidad, su carácter, y trato de encontrarle una marca”. Compare, por ejemplo, las marcas sueltas y curvas utilizadas para describir el suéter de Sasha con los trazos suaves y lineales que describen su rostro y sus brazos.

Luz, movimiento, color, forma y línea: Fish utiliza estos elementos en Sasha con un Tazón de Dulces para describir a una persona en particular en un lugar y tiempo específico. Aunque trabaja en un estilo figurativo, define el realismo en sus propios términos: “Así es como me parece, aunque soy consciente de que el realismo, así llamado, es una cuestión de pintar lo que eliges ver. Busco una interacción compleja de color, y eso es lo que encuentro. Así que pinto eso. Otro pintor podría optar por encontrar algo más simplificado”.

The Artist

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Janet Fish nació en 1938 en una familia de artistas. Su madre, Florence Whistler Voorhees, era alfarera y escultora; su abuelo, Clark Voorhees, pintor impresionista; y su tío, Clark Voorhees, tallador de madera. Fish siempre supo que quería ser artista y pasó gran parte de su infancia viviendo en las Bermudas, rodeada de arte y luz. El padre de Fish, Peter Stuyvesant Fish, desenterró viejas botellas de vidrio y las colocó en las ventanas de la casa de su familia. Fish ha comentado que esto, así como la luz intensa, los colores vibrantes y la densa vegetación de la isla, pueden haber influido en sus elecciones posteriores de estilo y tema. A los 11 años, Fish tomó clases de arte y ayudó a su madre en su taller de cerámica. Más tarde fue aprendiz de la artista Byllee Lang, una escultora cuyo estudio funcionaba como un lugar de reunión para los artistas, músicos e intelectuales de las Bermudas.

Fish siguió su educación formal en Smith College, la Art Students League en la ciudad de Nueva York y la Escuela de Arte y Arquitectura de Yale. Fue influenciada por los maestros Alex Katz y Leonard Baskin, las obras de Fairfield Porter, David Park y Richard Diebenkorn, y sus compañeros de estudios Chuck Close, Nancy Graves, Sylvia Mangold, Richard Serra y Harriet Shorr. Mientras Fish estaba en la escuela, el expresionismo abstracto estaba bien establecido y los artistas jóvenes comenzaban a mirar hacia una nueva forma de hacer arte.

En 1962, mientras estudiaba en la Escuela de Verano de Skowkegan, Fish decidió dedicarse a la pintura de paisajes y comenzó a pintar naturalezas muertas el invierno siguiente, un género que eventualmente establecería su reputación. Mientras tanto, Fish trabajó en una serie de trabajos ocasionales, ya que se graduó de Yale con una Maestría en Bellas Artes pero aún no podía ganarse la vida a través de su arte. En 1966 se hizo amiga de su nueva vecina, la escultora Louise Nevelson, quien se convirtió en una fuente de consejos y aliento. Fish comenzó a tener exposiciones individuales en 1968 de las pinturas a gran escala de frutas envueltas en plástico que estaba haciendo en ese momento. El arte de Fish siguió evolucionando; en 1973 comenzó a pintar vasos de agua a la luz del sol. En 1978 agregó elementos de paisajes y objetos no transparentes; en 1982, cifras. Fish dejó de usar pasteles en 1987 debido a problemas de salud y los reemplazó con acuarelas.

Janet Fish ha enseñado en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan y en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, entre otras. Recibió una beca MacDowell en 1968, 1969 y 1972 y el premio Girl Scouts' Woman of Distinction Award en 1993.

Ideas claves

• Luz, movimiento y color como tema
• Calidad de la luz representada a lo largo del tiempo.
• Uso del artista de marcas distintivas para diferentes elementos de una naturaleza muerta para transmitir la personalidad o la calidad de los objetos.
• Realismo resultante de lo que eliges ver

Preguntas de discusión

Recursos sobre el artista

Perfil del artista, Galería DC Moore

Más información

Tate recurso sobre bodegones