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Christina Ramberg Sin título

cristina ramberg

El arte

Sin título

El plano pictórico plano de la pequeña pintura acrílica de Christina Ramberg, Sin título, está dividido en una cuadrícula de dos por dos de cuadrados equiláteros. Cada cuadrante pone en primer plano una forma sombría y de bordes duros que parece descansar sobre una delicada pieza de papel plisado o tela con volantes. Dentro de estas formas oscuras y curvilíneas, los parches de color caramelo zigzaguean en motivos superpuestos. Las líneas angulares irradian en diagonal desde detrás de los cuatro centros en gradaciones tonales suaves de pasteles monocromáticos (verde, gris, amarillo y rosa) que crean la ilusión de pliegues. Contra esta paleta etérea y apagada, las formas contorneadas se vuelven táctiles y parecidas a objetos, como si se representaran en tres dimensiones. Estos temas parcelados, junto con la composición y la escala íntima de la obra, hacen posible que Ramberg haya representado una vista aérea de una caja de bombones. El suave brillo de la pintura acrílica se suma a esta impresión. Al igual que contemplar una caja de trufas, el espectador tal vez primero se sienta atraído por todo el lote antes de que una pieza individual atraiga la atención para un estudio más detallado. Y, sin embargo, algo sobre los reflejos marrones claros y el volumen y la textura implícitos sugiere una topografía más dramática e irregular.

Las partes del cuerpo fragmentadas ocupan un lugar destacado en las pinturas y dibujos de Christina Ramberg; extremidades, manos, torsos y nucas separados aparecen como formas separadas y abstractas, estilizadas en tonos fríos contra fondos atmosféricos. Las curiosidades aisladas en Sin título fueron de hecho imaginadas por el artista como cabelleras. Mientras estudiaba en el Instituto de Arte de Chicago, una venta de diez centavos en Masonite de 6 x 6 pulgadas en la tienda de la escuela donde trabajaba inspiró a Ramberg a comprar una gran cantidad y hacer pequeñas pinturas de la parte posterior de la cabeza de las mujeres. Continuó trabajando con este tema durante varios años, utilizando sus característicos patrones eléctricos para crear extensas tipologías de cabello trenzado y arreglado, en particular sin incluir nunca la cara. Con este contexto en mente, uno podría comenzar a ver las coloridas copas de acordeón como gorgueras (cuellos rígidos y ornamentados hechos de lino o encaje, usados ​​principalmente por personas ricas y de estatus en el siglo XVII), una falda plisada en medio de un giro, o la corbata de un payaso de circo.

Mientras las feministas defendían los derechos de las mujeres en las décadas de 1960 y 70 a través de protestas y trabajo político, los artistas ofrecieron réplicas creativas con obras que criticaban, parodiaban y, en ocasiones, matizaban la cultura de la feminidad inventada. Sin título refleja el interés de Ramberg en representar tanto el artificio como el atractivo de los peinados elaborados en respuesta a las presiones de las "reglas de belleza" de mediados de siglo. La doble lectura general de esta imagen —¿cabezas de mujer o chocolates artesanales?— llama la atención sobre las formas en que las mujeres son cosificadas; en este caso, cómo son metafóricamente acondicionados, empaquetados, inspeccionados y consumidos. Al igual que los surrealistas que estudió en la escuela de arte, a Ramberg le gustaba evocar significados duales o incluso varios de un solo tema. Más tarde, como profesor en los años 70 y 80, Ramberg dirigiría ejercicios de dibujo pidiendo a los estudiantes que fusionaran “uno o más objetos o cualidades de esos objetos”, o dibujaran objetos a los que se les niega su función principal: “¿Cómo sería un peine que no puede desenredar? aspecto del cabello? Estas indicaciones creativas, que Ramberg usó en su propia práctica, hicieron que los estudiantes pensaran fuera de la caja y se alejaran de las representaciones realistas o las interpretaciones literales.


The Artist

cristina ramberg

Christina Ramberg (1946-1995) contribuyó significativamente a la escena artística de Chicago como artista visual estrechamente asociada con los imaginistas y como educadora en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde obtuvo su BFA en 1968 y MFA en 1973. Nacido en Fort Campbell, Kentucky, la artista vivió en muchos lugares a lo largo de su vida, incluido Japón a la edad de cuatro años, debido al puesto de su padre en el ejército. La exposición a diferentes culturas y lugares desde una edad temprana inspiró en Ramberg una mentalidad de coleccionista y, al igual que su profesor Ray Yoshida y otros Imagists de Chicago, canalizó estas curiosidades a través de una impresionante acumulación de material de origen a lo largo de los años: arte popular, juguetes antiguos, artículos médicos. Dibujos, muñecas de papel, cómics, textiles, anuncios de moda vintage y otras baratijas encontradas en el mercado de pulgas de Maxwell Street en Chicago influyeron en su trabajo. Organizó sus recortes de papel en álbumes de recortes, inventariando imágenes y formularios en grupos temáticos junto con sus propios bocetos y notas escritas a mano. Estos diarios de archivo revelan el interés del artista por la experimentación formal, en particular con el cabello y el cuerpo humano. En las pinturas de Ramberg, las imágenes en serie de cabezas de mujeres, vistas solo desde atrás, de costado o desde arriba, reflejan estas tendencias tipológicas: presentar y representar una forma una y otra vez para examinar su actualidad cultural.

Una de esas formas repetidas por las que se conoce a Ramberg es el torso femenino, a menudo atado con lencería ajustada y apéndices de tela en composiciones igualmente tensas y recortadas. En el contexto de la segunda ola del feminismo en la década de 1960, los sujetos restringidos de Ramberg resaltan los complicados sentimientos de la artista en torno a la mercantilización de la feminidad y los cuerpos de las mujeres. La artista ha hablado de estos motivos en el contexto de los recuerdos de la infancia: “…Recuerdo estar sentado en la habitación de mi madre viéndola vestirse para apariciones públicas… Solía ​​pensar que así es como los hombres quieren que se vean las mujeres, ella se está transformando en el tipo de cuerpo que los hombres quieren. Pensé que era fascinante… en cierto modo, pensé que era horrible”. De la misma manera que muchos procesos cosméticos requieren una mano firme y una aplicación cuidadosa, las pinturas de Ramberg están altamente pulidas y controladas. Esta atención al detalle, combinada con el provocativo nerviosismo de sus figuras fragmentadas, hace que el trabajo de Ramberg sea aún más memorable y relevante en la actualidad.


Ideas claves

  • Representación del cuerpo anónimo y fragmentado para demostrar la cosificación de la mujer
  • Metáfora visual utilizada para fomentar interpretaciones múltiples y matizadas
  • Uso de serialidad para implicar sistemas, anonimato o fenómenos sociales más amplios.
  • Pequeña escala utilizada para aumentar la sensación de intimidad del espectador.

Preguntas de discusión

  1. ¿Cómo te afecta a ti, el espectador, la pequeña escala de la pintura? ¿Reaccionarías diferente si la pintura fuera mucho más grande? ¿Cómo?
  2. ¿Qué te recuerdan las imágenes de esta obra de arte? ¿Qué punto de vista o perspectiva ha representado el artista? ¿Por qué? ¿Un punto de vista diferente cambiaría sus pensamientos o sentimientos acerca de lo que ve?
  3. En Sin título, Christina Ramberg ha retratado cabelleras que parecen chocolates individuales. ¿Qué crees que el artista esperaba comunicar con esta conexión inesperada?
  4. El cabello juega un papel importante en la configuración de cómo nos vemos y nos sentimos acerca de nosotros mismos y de los demás. ¿De qué manera es importante tu cabello para ti? ¿Simboliza algo sobre usted o su patrimonio cultural? ¿Cómo describirías el cabello en esta obra de arte? ¿A quién podría pertenecer? ¿Qué te hace decir eso?
  5. ¿Cambiarían sus sentimientos acerca de esta obra de arte si fuera creada por un artista masculino? Si es así, ¿cómo y por qué? ¿Piensas típicamente en la identidad o el género del artista cuando miras una obra de arte? ¿Por qué o por qué no?